Rembrandt a primit recunoaștere și faimă în întreaga lume. Scurtă biografie a lui Rembrandt, creativitate, fapte interesante. „Întoarcerea fiului risipitor”

Iar opera sa, prezentată în articol, vă va prezenta unul dintre cei mai mari artiști ai tuturor timpurilor. Rembrandt Harmensz van Rijn (ani de viață - 1606-1669) - un faimos pictor, gravor și desenator olandez. Opera sa este pătrunsă de dorința de a înțelege esența vieții, precum și lumea interioară a omului. Rembrandt era interesat de bogăția experiențelor spirituale inerente oamenilor. Opera acestui artist este apogeul artei olandeze din secolul al XVII-lea. De asemenea, este considerată una dintre cele mai importante pagini ale culturii artistice a lumii întregi. Chiar și oamenii care sunt departe de a picta îi cunosc lucrările. Rembrandt este un artist uimitor a cărui viață și opera te vor interesa cu siguranță.

Moștenirea artistică a lui Rembrandt

Moștenirea artistică pe care ne-a lăsat-o este excepțional de diversă. Rembrandt a pictat portrete, peisaje, naturi moarte, scene de gen. A realizat picturi pe teme mitologice, biblice, istorice, precum și alte lucrări. Rembrandt este un maestru de neegalat al gravurii și al desenului.

Viața în Leiden

Viața lui Rembrandt în 1620 a fost marcată de o scurtă perioadă de studiu, apoi a decis să-și dedice viața în întregime artei. În acest scop, a studiat mai întâi la Leiden cu J. van Swanenbürch (aproximativ 1620-23), iar apoi la Amsterdam cu P. Lastman (în 1623). În perioada 1625-1631, artistul a lucrat la Leiden. Rembrandt și-a creat primele lucrări aici.

Trebuie remarcat faptul că lucrările sale referitoare la perioada Leiden se caracterizează prin căutarea independenței creatoare a autorului, în ciuda faptului că arată influența lui Lastman, precum și reprezentanții caravagismului olandez. Un exemplu este lucrarea „Aducerea la Templu”, creată în jurul anilor 1628-29. În „Apostolul Pavel” (circa 1629-30), precum și în „Simeon în templu” (1631), artistul a recurs pentru prima dată la clarobscur ca mijloc menit să sporească expresivitatea emoțională și spiritualitatea imaginilor. În același timp, Rembrandt a lucrat din greu la portret. A studiat expresiile faciale.

1630 de ani în viața lui Rembrandt

Un eveniment important din viața maestrului a avut loc în 1632. Mutarea la Amsterdam a marcat biografia artistului Rembrandt. Biografia lui, legată de această perioadă, este următoarea.

La Amsterdam, artistul care ne interesează s-a căsătorit curând. Aleasa lui a fost Saskia van Uylenburgh, un patrician bogat (portretul ei este prezentat mai sus). Această femeie era orfană. Tatăl ei a fost membru al consiliului din Friesland, un primar din Leewerden. Cei doi frați ai Saskiei erau avocați. Printre rudele acestei femei se numără mulți oficiali guvernamentali și oameni de știință. Ea a adus o rază de fericire în locuința singuratică a artistului. Rembrandt și-a mobilat casa cu multe lucruri rare, drept urmare a devenit un adevărat muzeu. Maestrul a petrecut mult timp în magazine de vechituri, vânzări și licitații. A cumpărat imprimeuri și picturi, bijuterii sculptate indiene și chinezești, arme vechi, statui, cristal și porțelan valoros. Toate aceste lucruri au servit drept fundal pentru picturile pe care le-a creat. Ei l-au inspirat pe artist. Lui Rembrandt îi plăcea să-și îmbrace soția în catifea, brocart și mătase. El a acoperit-o cu perle și diamante. Viața lui a fost ușoară și plină de bucurie, plină de creativitate, muncă și dragoste. În general, anii 1630 sunt o perioadă de fericire în familie și de mare succes artistic.

Portrete din anii 1630

Toate portretele datând din anii 1630 demonstrează subtilitatea și puterile de observație ale lui Rembrandt. Acest lucru îl aduce mai aproape de Keyser, van der Helst, Rubens și Van Dyck. Aceste picturi sunt de obicei realizate pe un fundal uniform gri deschis. De multe ori formatul oval sunt lucrările sale. Rembrandt a creat portrete care uimesc cu o putere plastică enormă. Se realizează prin simplificarea clarobscurului și a armoniei alb-negru, precum și a privirii directe a modelului. Toate lucrările sunt pline de demnitate, atrag atenția cu compoziție și ușurință dinamică. În picturile din perioada Amsterdam, în comparație cu Leiden, o textură mai netedă. Ritmul mâinilor are o semnificație simbolică (artista nu arată intenționat o mână). Aceasta, precum și întoarcerea capului figurii, amintește de variabilitatea și efemeritatea barocului.

Caracteristicile unor portrete din anii 1630

Descriind viața și opera lui Rembrandt din această perioadă, nu se poate să nu facă referire la portretele pe care le-a creat. Sunt destul de numeroase. Lecția de anatomie a doctorului Tulp a lui Rembrandt (foto sus) a fost creată în 1632. În ea, autorul a abordat în mod inovator rezolvarea problemei unui portret de grup, în urma căruia compoziția s-a dovedit a fi relaxată. Rembrandt a unit toți oamenii reprezentați în imagine printr-o singură acțiune. Această lucrare i-a adus o mare faimă.

În alte portrete, create la numeroase comenzi, artistul a transmis cu atenție haine, trăsături faciale și bijuterii. Un exemplu este lucrarea „Portretul unui Burgrave”, care a fost pictată în 1636 de Rembrandt Harmensz van Rijn. Viața și opera oricărui artist sunt strâns legate. De exemplu, portretele oamenilor apropiați de Rembrandt, precum și autoportretele sale (unul dintre ele, creat în 1634, este prezentat mai sus), sunt mai diverse și mai libere în compoziție. În ele, artistul nu i-a fost frică să experimenteze, luptă pentru expresivitate psihologică. Aici trebuie menționat și un autoportret, realizat în 1634, și „Saskia zâmbitoare”, pictat în 1633.

Celebrul tablou „Societatea veselă”, sau „Autoportret cu Saskia” (o fotografie a acestei lucrări este prezentată mai sus), a completat căutarea acestei perioade. A fost pictat în jurul anului 1635. Viața și opera artistului se dezvăluie într-un mod deosebit în această lucrare. În ea, el rupe cu îndrăzneală de canoanele care existau la acea vreme. Tabloul se remarcă prin maniera liberă de a picta, imediatitatea vie a compoziției, precum și scara plină de lumină, majoră, colorată.

Compoziții biblice și scene mitologice 1630

În 1630, artistul a creat și compoziții biblice. Una dintre cele mai faimoase este „Sacrificiul lui Avraam”. Aparține anului 1635. Compozițiile biblice din acest timp sunt marcate de influența picturii barocului italian. Impactul său se manifestă în dinamica compoziției (oarecum forțată), contrastele de lumină și umbră, claritatea unghiurilor.

În lucrările lui Rembrandt din acest timp, un loc special aparține scenelor mitologice. În ele, artistul nu a urmat tradițiile și canoanele clasice, aruncându-le o provocare îndrăzneață. Una dintre lucrările care pot fi remarcate aici este Răpirea lui Ganymede (1635).

"Danae"

Compoziția monumentală numită „Danae” a întruchipat pe deplin vederile estetice ale lui Rembrandt. În această lucrare, el pare să intre într-o ceartă cu marii artiști ai Renașterii. Figura nudă a lui Danae înfățișată de Rembrandt nu corespunde idealurilor clasice. Artista a finalizat această lucrare cu o imediateză realistă, foarte îndrăzneață pentru vremea respectivă. El a pus în contrast frumusețea ideală, senzuală-corporală a imaginilor create de maeștri italieni, cu frumusețea spirituală, precum și cu căldura sentimentului uman.

Alte locuri de muncă

Tot în 1630, Rembrandt a dedicat mult timp lucrului în tehnica gravurii și gravurii. Se pot observa lucrări ale sale precum „Cuplul călător” și „Vânzătorul de otravă pentru șobolani”. Artista a realizat și desene în creion, generalizate în manieră și foarte îndrăznețe.

Opera lui Rembrandt din 1640

Acești ani au fost marcați de un conflict între lucrările inovatoare ale lui Rembrandt și cerințele foarte limitate ale contemporanilor săi. Acest conflict s-a manifestat în mod clar în 1642. Apoi lucrarea „Night Watch” a lui Rembrandt a provocat proteste violente din partea clienților. Nu au acceptat ideea principală a artistului. Rembrandt, în loc de portretul obișnuit de grup, a înfățișat o compoziție eroic ridicată în care, la un semnal de alarmă, breasla împușcătorilor face un pas înainte. Adică a fost, s-ar putea spune, Ea a trezit amintirile contemporanilor despre războiul de eliberare purtat de poporul olandez.

După această lucrare, afluxul de comenzi de la Rembrandt a scăzut. Viața lui a fost umbrită și de moartea lui Saskia. În 1640, opera artistului și-a pierdut aspectul exterior. Au dispărut și notele majore care îi erau caracteristice mai devreme. Rembrandt începe să scrie gen calm și scene biblice, pline de intimitate și căldură. În ele, el dezvăluie cele mai subtile nuanțe de experiențe, sentimente de rudenie, intimitate spirituală. Printre aceste lucrări trebuie menționate „Sfânta familie” din 1645, precum și tabloul „David și Ionatan” (1642).

Atât în ​​grafică, cât și în pictura lui Rembrandt, totul valoare mai mare capătă un joc foarte subtil de clarobscur. Se creează o atmosferă specială - tensionată emoțional, dramatică. De remarcat este monumentala fișă grafică a lui Rembrandt „Hristos vindecând bolnavii”, precum și „Frunza a o sută de guldeni”, creată în jurul anilor 1642-46. De asemenea, este necesar să denumim peisajul din 1643 „Trei Copaci”, plin de dinamică a luminii și a aerului.

1650 în opera lui Rembrandt

Acest timp a fost marcat de grele încercări ale vieții care s-au abătut pe artist. În 1650 a început perioada maturității sale creatoare. Rembrandt se îndreaptă tot mai mult către portret. Îi înfățișează pe cei mai apropiați. Dintre aceste lucrări, merită remarcate numeroasele portrete ale lui Hendrickje Stoffels, a doua soție a artistului. De asemenea, destul de remarcabil a fost „Portretul unei bătrâne” creat în 1654. În 1657, artistul a pictat o altă dintre lucrările sale celebre - „Fiul Titus citind”.

Imagini cu oameni obișnuiți și bătrâni

imagini oameni normali, în special persoanele în vârstă, sunt din ce în ce mai atrase de artist. Ele sunt întruchiparea bogăției spirituale și a înțelepciunii vitale în lucrările sale. În 1654, Rembrandt a creat „Portretul soției fratelui artistului”, iar în 1652-1654 – „Portretul unui bătrân în roșu” (foto sus). Pictorul începe să fie interesat de mâini și față, care sunt iluminate de lumină moale. Ei par să fie scoși din întuneric. Fețele figurilor sunt caracterizate de expresii faciale abia vizibile. Aceasta arată mișcarea complexă a sentimentelor și gândurilor lor. Rembrandt alternează între liniile ușoare și păstoase, ceea ce face ca suprafața picturii să fie irizată cu clarobscur și nuanțe colorate.

Situație financiară dificilă

În 1656, artistul a fost declarat debitor în insolvență, drept urmare toată proprietatea sa a trecut sub ciocan. Rembrandt a fost nevoit să se mute în cartierul evreiesc al orașului Amsterdam. Aici și-a petrecut restul vieții în condiții extrem de înghesuite.

Opera lui Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Compozițiile biblice create în anii 1660 rezumă reflecțiile lui Rembrandt asupra sensului vieții. În opera sa din acest timp există picturi dedicate ciocnirii principiilor luminii și întunericului din sufletul uman. O serie de lucrări pe această temă au fost create de Rembrandt Harmensz van Rijn, a cărui biografie și listă de picturi ne interesează. Printre astfel de lucrări este de remarcat lucrarea „Assur, Haman și Esther”, creată în 1660; și, de asemenea, David și Urie, sau Căderea lui Haman (1665). Se caracterizează printr-un stil flexibil de scriere, gamă saturată caldă, textura complexă a suprafeței, joc intens de lumini și umbre. Toate acestea sunt necesare pentru ca artistul să dezvăluie experiențe emoționale complexe și conflicte, să afirme victoria binelui asupra răului.

O pictură istorică de Rembrandt intitulată „Conspirația lui Julius Civilis”, cunoscută și sub denumirea de „Conspirația Batavianilor”, a fost creată în 1661. Este impregnat de eroism și dramă severă.

„Întoarcerea fiului risipitor”

În ultimul an de viață, artistul a creat lucrarea „Întoarcerea fiului risipitor”. Datează din 1668-69. Această pictură monumentală este principala capodopera a lui Rembrandt. Ea întruchipează toate problemele morale, estetice și artistice caracteristice perioadei târzii a operei sale. Artistul cu cea mai înaltă pricepere recreează în această imagine o întreagă gamă de sentimente umane profunde și complexe. El subordonează mijloacele artistice dezvăluirii frumuseții iertării, compasiunii, înțelegerii. În gesturi crunte și ipostaze expresive se întruchipează punctul culminant al trecerii de la tensiunea sentimentelor la rezolvarea cu succes a pasiunilor. În fotografia de mai sus, puteți vedea această ultimă lucrare a lui Rembrandt.

Moartea lui Rembrandt, sensul operei sale

Celebrul pictor, gravor și desenator olandez a murit la Amsterdam la 4 octombrie 1669. Harmensz van Rijn Rembrandt, ale cărui lucrări sunt cunoscute și iubite de mulți, a avut un impact uriaș asupra dezvoltării ulterioare a picturii. Acest lucru se observă nu numai în lucrările studenților săi, dintre care Karel Fabricius s-a apropiat cel mai mult de a-l înțelege pe Rembrandt, ci și în lucrările fiecărui artist olandez, mai mult sau mai puțin semnificative. Picturile multor maeștri reflectă influența unui artist precum Rembrandt van Rijn. Lucrarea „Mlaștină”, al cărei autor este Jacob van Ruysdael, este probabil una dintre aceste lucrări. Prezintă partea pustie a pădurii inundată cu apă. Această imagine are o semnificație simbolică.

În viitor, marele Rembrandt a avut o influență puternică asupra dezvoltării artei realiste în ansamblu. Picturile și biografia lui sunt de interes pentru mulți oameni până în prezent. Acest lucru sugerează că munca lui este într-adevăr foarte valoroasă. Capodoperele lui Rembrandt, dintre care multe au fost descrise în acest articol, încă inspiră artiști.

„Flora” (1641, Dresda)

Pilda omului bogat (1627, Berlin)

Întoarcerea lui Iuda 30 de argint (1629, colecție privată)

Autoportret (1629, Boston)

Ieremia deplânge distrugerea Ierusalimului (1630, Amsterdam)

Portretul unui om de știință (1631, Ermitaj)

Anna profetesa (1631, Amsterdam)

Apostol Petru (1631, Israel)

Furtuna pe Marea Galileii (1663, Boston)

Autoportret cu Saskia (1635, Dresda)

Sărbătoarea lui Belşaţar (1638, Londra)

Predicatorul și soția sa (1641, Berlin)

„Saskia într-o pălărie roșie” (1633/1634, Kassel)

Podul de piatră (1638, Amsterdam)

Portretul Mariei Trip (1639, Amsterdam)

Sacrificiul lui Manoy (1641, Dresda)

Fată (1641, Varșovia)

Veghea de noapte (1642, Amsterdam)

Sfânta Familie (1645, Schitul)

Flora (1654, New York)

Întoarcerea fiului risipitor (c. 1666-69, Ermitage)

Saskia (1643, Berlin)

Conspirația lui Julius Civilis (1661, Stockholm)

Tânără care încearcă cercei (1654, Hermitage)

Sindic (1662, Amsterdam)

mireasa evreiasca (1665, Amsterdam)

Portretul Maertenei Soolmansa (1634, colecție privată)

Alegoria muzicii. 1626. Amsterdam.

auto portret
Martin Loten
bărbat în haine orientale

Portretul lui Hendrickje Stofells

***

auto portret
Tobit își suspectează soția că fură. 1626. Amsterdam.
măgarul lui Valaam. 1626. Paris.
Samson și Dalila. 1628. Berlin.
Tânăra Saxia. 1633. Dresda.
Saxia van Uylenburgh. 1634. Amsterdam.
Portretul lui Jan Utenbogart. 1634. Amsterdam.
Floră. 1633-34. Muzeul Ermitaj. Saint Petersburg.
Răpirea lui Ganymede.1635. Dresda.
Orbirea lui Samson.1636.Frankfurt pe Main. jertfa lui Avraam. 1635. Schitul. Saint Petersburg
Andromeda.1630-1640. Haga.
David şi Jonophan.1642. Muzeul Ermitaj. Saint Petersburg.
Moara 1645. Washington.
Natura moartă cu un păun.Anii 1640. Amsterdam.
Portretul unui bătrân războinic. 1632-34. Los Angeles.
Susanna și bătrânii, 1647. Berlin-Dahlem.
Omul cu coif de aur. 1650. Berlin-Dahlem.
Aristotel cu un bust al lui Homer. 1653. New York.
Bat-Șeba. 1654. Luvru. Paris.
Portretul lui Jan Sixt. 1654. Amsterdam.
acuzația lui Iosif. 1655. Washington.
Hendrikje intrând în râu. 1654. Londra.
Binecuvântarea lui Iacov.1656. Kassel.
Lepădarea Apostolului Petru. 1660. Amsterdam.
Hendrikje la fereastră.1656-57. Berlin.
Evanghelistul Matei și un înger. 1663. Luvru, Paris.
Frederic Riel călare.1663. Londra.
Portretul unei bătrâne. 1654. Schitul. Svnkt-Petersburg.
Conspirația batavă.1661-62. Stockholm.
Portretul lui Jeremiah Dekker.1666. Muzeul Ermitaj. Saint Petersburg.
Autoportret.1661. Amsterdam. Rembrandt Harmenszoon van Rijn(Rembrandt Harmensz van Rijn) (1606-1669), pictor, desenator și gravor olandez. Opera lui Rembrandt, impregnată de dorința unei înțelegeri profund filozofice a vieții, a lumii interioare a unei persoane cu toată bogăția experiențelor sale spirituale, marchează punctul culminant al dezvoltării artei olandeze a secolului al XVII-lea, unul dintre culmi. a culturii artistice mondiale. Moștenirea artistică a lui Rembrandt este excepțional de diversă: a pictat portrete, naturi moarte, peisaje, scene de gen, picturi pe teme istorice, biblice, mitologice, Rembrandt a fost un maestru de neîntrecut al desenului și gravurii. După un scurt studiu la Universitatea din Leiden (1620), Rembrandt a decis să se dedice artei și a studiat pictura cu J. van Swanenbürch la Leiden (circa 1620-1623) și P. Lastman la Amsterdam (1623); în 1625-1631 a lucrat la Leiden. Picturile lui Rembrandt din perioada Leiden sunt marcate de o căutare a independenței creatoare, deși arată încă influența lui Lastman și a maeștrilor caravagismului olandez („Bringing to the Temple”, aproximativ 1628-1629, Kunsthalle, Hamburg). În picturile „Apostolul Pavel” (circa 1629-1630, Muzeul Național, Nürnberg) și „Simeon în templu” (1631, Mauritshuis, Haga), el a folosit pentru prima dată clarobscurul ca mijloc de a spori spiritualitatea și expresivitatea emoțională a imagini. În aceiași ani, Rembrandt a lucrat din greu la portret, studiind expresiile faciale ale feței umane. În 1632, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde s-a căsătorit curând cu bogatul patrician Saskia van Uylenburgh. Anii 1630 sunt o perioadă a fericirii familiei și a marelui succes artistic al lui Rembrandt. Tabloul „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632, Mauritshuis, Haga), în care artistul a rezolvat în mod inovator problema unui portret de grup, dând compoziției o ușurință vitală și unind pe cel portretizat într-o singură acțiune, l-a adus pe Rembrandt faimă largă. În portretele pictate la numeroase comenzi, Rembrandt van Rijn a transmis cu atenție trăsături faciale, haine, bijuterii (pictura „Portret de burgrave”, 1636, Galeria Dresda).

Dar autoportretele și portretele unor apropiați ale lui Rembrandt sunt mai libere și mai variate ca compoziție, în care artistul a experimentat cu îndrăzneală în căutarea expresivității psihologice (autoportret, 1634, Luvru, Paris; Smiling Saskia, 1633, Galeria de Artă, Dresda). Căutarea acestei perioade a fost completată de celebrul „Autoportret cu Saskia” sau „Societatea veselă”; circa 1635, Galeria de Artă, Dresda), rupând cu îndrăzneală canoanele artistice, remarcată prin imediatețea vie a compoziției, modul liber de a picta, major, plin de lumină, gamă colorată.

Compozițiile biblice din anii 1630 („Sacrificiul lui Avraam”, 1635, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg) poartă pecetea influenței picturii baroc italiene, care se manifestă într-o dinamică oarecum forțată a compoziției, claritatea unghiurilor, contraste de lumină și umbră. Un loc special în opera lui Rembrandt din anii 1630 îl ocupă scenele mitologice în care artistul a contestat cu îndrăzneală canoanele și tradițiile clasice („Răpirea lui Ganymede”, 1635, Galeria de Artă, Dresda).

Compoziția monumentală „Danae” (1636-1647, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg) a devenit o întruchipare vie a vederilor estetice ale artistului: imediatitatea realistă și frumusețea corporală senzuală, ideală a imaginilor maeștrilor italieni, el a contrastat frumusețea spiritualitatea și căldura sentimentului uman. În aceeași perioadă, Rembrandt a lucrat mult în tehnica gravurii și a gravurii (Manneken Pis, 1631; Vânzător de otravă de șobolani, 1632; Traveling Couple, 1634), realizând desene îndrăznețe și generalizate în creion.

În anii 1640, se pregătea un conflict între opera lui Rembrandt și cerințele estetice limitate ale societății contemporane. S-a manifestat în mod clar în 1642, când pictura „Pagul de noapte” (Rijksmuseum, Amsterdam) a provocat proteste din partea clienților care nu au acceptat ideea principală a maestrului - în loc de portretul tradițional de grup, el a creat o compoziție eroic ridicată cu o scenă din performanța breslei trăgătorilor la alarmă, adică . în esență o imagine istorică care evocă amintiri ale luptei de eliberare a poporului olandez. Afluxul de comenzi de la Rembrandt este în scădere, circumstanțele sale de viață sunt umbrite de moartea lui Saskia. Opera lui Rembrandt își pierde aspectul exterior și notele de majoritate inerente ei mai devreme. Pictează scene biblice și de gen calme, calde și intime, dezvăluind nuanțele subtile ale experiențelor umane, sentimente de apropiere spirituală, de familie („David și Ionatan”, 1642, „Sfânta familie”, 1645, ambele în Schitul, Sf. Petersburg).

Cea mai fină piesă de clarobscur, care creează o atmosferă specială, dramatică, emoțională intensă, devine din ce în ce mai importantă atât în ​​pictură, cât și în grafica lui Rembrandt (monumentala fișă grafică „Hristos vindecând bolnavul” sau „Frunza de o sută de guldeni”, circa 1642- 1646; peisaj plin de dinamică a aerului și luminii „Trei copaci”, gravură, 1643). Anii 1650, plini de încercări grele de viață pentru Rembrandt, deschid perioada de maturitate creativă a artistului. Rembrandt se îndreaptă din ce în ce mai mult către genul portretului, înfățișându-i pe cei mai apropiați (numeroase portrete ale celei de-a doua soții a lui Rembrandt, Hendrickje Stoffels; „Portretul unei bătrâne”, 1654, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg; „Fiul Titus Reading”, 1657 , Kunsthistorisches Museum, Viena).

Din ce în ce mai mult, artistul este atras de imaginile oamenilor obișnuiți, bătrâni, care servesc ca întruchipare a înțelepciunii vieții și a bogăției spirituale (așa-numitul „Portret al soției fratelui artistului”, 1654, Muzeul de Stat de Arte Plastice , Moscova; „Portretul unui bătrân în roșu”, 1652-1654, Ermitaj, Sankt Petersburg). Rembrandt se concentrează asupra feței și mâinilor, smulse din întuneric de lumina difuză moale, expresiile faciale subtile reflectă mișcarea complexă a gândurilor și sentimentelor; uneori, lovituri de pensulă ușoare, alteori păstoase creează suprafața imaginii, irizate cu nuanțe colorate și deschise și nuanțe.

La mijlocul anilor 1650, Rembrandt a dobândit o abilitate matură de pictură. Elementele de lumină și culoare, independente și chiar parțial opuse în lucrările timpurii ale artistului, se contopesc acum într-un singur întreg interconectat. Masa de vopsea luminoasă roșu-maro fierbinte, acum sclipitoare, acum estompată, tremură, sporește expresivitatea emoțională a operelor lui Rembrandt, ca și cum le-ar fi încălzit cu un sentiment uman cald. În 1656, Rembrandt a fost declarat în faliment, toată proprietatea sa a fost vândută la licitație. S-a mutat în cartierul evreiesc din Amsterdam, unde și-a petrecut restul vieții în circumstanțe extrem de înghesuite. Compozițiile biblice create de Rembrandt în anii 1660 rezumă reflecțiile sale asupra sensului vieții umane. În episoade care exprimă ciocnirea întunericului și luminii în sufletul uman („Asur, Haman și Esther”, 1660, Muzeul Pușkin, Moscova; „Căderea lui Haman” sau „David și Urie”, 1665, Muzeul Ermitaj de Stat, St. Petersburg), o gamă bogată de căldură, stilul flexibil de scriere impasto, jocul intens de umbre și lumină, textura complexă a suprafeței colorate servesc la dezvăluirea conflictelor complexe și a experiențelor emoționale, pentru a afirma triumful binelui asupra răului.

Pictura istorică „Conspirația lui Julius Civilis” („Conspirația Batavilor”, 1661, un fragment a fost păstrat, Muzeul Național, Stockholm) este impregnată de dramă și eroism sever. În ultimul an al vieții sale, Rembrandt și-a creat-o capodopera majora- pictura monumentală „Întoarcerea fiului risipitor” (circa 1668-1669, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg), care întruchipa toate problemele artistice și morale ale operei târzii a artistului. Cu o abilitate uimitoare, el recreează în ea o întreagă gamă de sentimente umane complexe și profunde, subordonând mijloacele artistice dezvăluirii frumuseții înțelegerii umane, a compasiunii și a iertării. Punctul culminant al trecerii de la tensiunea sentimentelor la rezoluția pasiunilor este întruchipat în ipostaze sculptural expresive, gesturi medii, în structura emoțională a culorii care fulgeră strălucitor în centrul imaginii și se estompează în spațiul umbrit de fundal. Marele pictor, desenator și gravor olandez Rembrandt van Rijn a murit la 4 octombrie 1669 la Amsterdam. Influența artei lui Rembrandt a fost enormă. A afectat nu numai munca elevilor săi direcți, dintre care Karel Fabritius s-a apropiat cel mai mult de a înțelege profesorul, ci și arta fiecărui artist olandez mai mult sau mai puțin semnificativ. Arta lui Rembrandt a avut un impact profund asupra dezvoltării artei realiste din lume ulterior.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn s-a născut în orașul olandez Leiden în 1606 la 15 iulie. Tatăl lui Rembrandt era un morar bogat, mama lui a copt bine, era fiica unui brutar. Numele de familie „van Rijn” înseamnă literal „de la Rin”, adică de la râul Rin, unde străbunicii lui Rembrandt aveau mori. Dintre cei 10 copii din familie, Rembrandt era cel mai mic. Alți copii au mers pe urmele părinților, iar Rembrandt a ales o altă cale – una artistică, și a fost educat la o școală latină.

La vârsta de 13 ani, Rembrandt a început să învețe să deseneze și a intrat, de asemenea, la universitatea orașului. Vârsta atunci nu a deranjat pe nimeni, principalul lucru la acea vreme era cunoștințele la nivel. Mulți savanți sugerează că Rembrandt a mers la universitate nu pentru a studia, ci pentru a obține o amânare de la armată.

Primul profesor al lui Rembrandt a fost Jacob van Swanenbürch.. În atelierul său, viitorul artist a petrecut aproximativ trei ani, apoi s-a mutat la Amsterdam pentru a studia cu Peter Lastman. Din 1625 până în 1626 Rembrandt s-a întors în orașul natal și a făcut cunoștințe cu artiști și unii dintre studenții lui Lastman.

Cu toate acestea, după multă deliberare, Rembrandt a decis că cariera unui artist ar trebui să se facă în capitala Olandei și s-a mutat din nou la Amsterdam.

În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu Saskia. Până la căsătoria lor, toată lumea avea o noroc bună (Rembrandt avea picturi, iar părinții lui Saskia au lăsat o moștenire impresionantă). Deci nu a fost o căsătorie aranjată. S-au iubit cu adevărat cu pasiune.

În anii 1635 - 1640. soția i-a născut lui Rembrandt trei copii, dar toți au murit ca nou-născuți. În 1641, Saskia a născut un fiu, care a fost numit Titus. Copilul a supraviețuit, dar, din păcate, însăși mama a murit la vârsta de 29 de ani.

După moartea soției sale, Rembrandt nu era el însuși, nu știa ce să facă și găsea mângâiere în desen. În anul în care a murit soția sa, el a finalizat pictura „Căzarea de noapte”. Cu Titus, tânărul tată nu a putut face față și, prin urmare, a angajat o dădacă pentru copil - Gertje Dirks, care i-a devenit amantă. Au trecut vreo 2 ani, iar bona din casă s-a schimbat. A devenit o fată tânără Hendrikje Stoffels. Ce sa întâmplat cu Gertier Dirks? Ea l-a dat în judecată pe Rembrandt, crezând că acesta a încălcat contractul de căsătorie, dar a pierdut argumentul și a fost trimisă într-un cămin corecțional, unde a petrecut 5 ani. Eliberată, ea a murit un an mai târziu.

Noua dădacă Hendrikje Stoffels i-a născut lui Rembrandt doi copii. Primul lor copil, un băiat, a murit în copilărie, iar fiica lor Karnelia, singura care a supraviețuit tatălui ei.

Puțini oameni știu asta Rembrandt avea o colecție foarte ciudată, care includea picturi ale artiștilor italieni, diferite desene, gravuri, diverse busturi și chiar arme.

Apusul vieții lui Rembrandt

Lucrurile mergeau prost pentru Rembrandt. Nu erau suficienți bani, numărul comenzilor a scăzut. Prin urmare, artistul a vândut o parte din colecția sa, dar nici asta nu l-a salvat. Era pe punctul de a merge la închisoare, dar instanța era în favoarea lui, așa că i s-a permis să-și vândă toată proprietatea și să-și achite datoriile. A locuit chiar o vreme într-o casă care nu-i mai aparținea.

Între timp, Titus și mama lui au organizat o firmă care face comerț cu obiecte de artă pentru a-l ajuta cumva pe Rembrandt. Într-adevăr, până la sfârșitul vieții, artistul nu a plătit niciodată multe, dar acest lucru nu a stricat reputația lui Rembrandt, el a rămas o persoană demnă în ochii oamenilor.

Moartea lui Rembrandt a fost foarte tristă. În 1663, iubitul artistului, Hendrikje, a murit. Un timp mai târziu, Rembrandt și-a îngropat fiul Titus și mireasa lui. În 1669, la 4 octombrie, el însuși a părăsit această lume, dar a lăsat pentru totdeauna o amprentă în inimile oamenilor care îl iubesc.

Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegeți cu atenție cuvintele potrivite, rândurile de vorbire, nu știți de unde să începeți ... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.

În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - la lecțiile Teatrului de Artă din Moscova de la institut, cu tobogane vechi într-un public întunecat în serile lungi de decembrie. În tinerețe - în uimitor Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am citit deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut mai mult de o duzină de excursii, dar totuși există sentimentul că acum trebuie să te plonjezi în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.

E ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării, unde ai fost pentru prima dată. Nu știi dacă apa e rece acolo, câte pietre sunt în fund. Este anticiparea și îndoiala care îți face mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge acest lucru - sări dintr-un început de alergare, simțindu-ți inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul tău este dusă undeva în depărtare, iar acum ești singur cu ceva complet nou... Ei bine , bine! Să sărim, să deschidem ochii și să vedem!

La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. A fost considerat cel mai bun portretist într-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, în perla nordului Europei - Amsterdam.

Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze asta! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să înveselească toate neajunsurile unei persoane, dar Rembrandt credea altfel. Portretele lui erau vii. Transmiteau caracter, era conflict în ei. În fața dumneavoastră este un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Wtenbogart.

Aproape întregul stat al republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă din blană de samur rusesc - mărturisesc clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și pânza marelui predecesor al lui Rembrandt este imediat amintită -. Nu se uită oare apostolul la Hristos cu aceeași expresie când îl cheamă la el? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez l-a putut arăta într-un moment înghețat.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn și-a petrecut tot timpul liber studiind expresiile faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Era important pentru el să prindă cele mai mici nuanțe de emoții.

Fața unei persoane, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului, el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică de la maestrul nostru.

Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acest tablou este „Coborârea de pe Cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești umane cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu a făcut-o înainte sau după el.

Ierusalimul din fundal se scufundă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul celei mai mari disperări, nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul unui bărbat pe care l-au iubit și l-au adorat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei este palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.

Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat evident. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile băiatului, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină este spusă povestea adevărată aici, se dezvăluie sensul filozofic al tabloului.

Lumina unui felinar este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o inițiere în misterul ei. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Fața Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, ies în evidență din întuneric, în care ar trebui să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a aplicat pentru prima dată tehnica care în ultimii ani ai vieții a devenit principala în opera sa.

Și acum vedem cum o persoană care a stăpânit perfect tehnica scrisului a notat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar pe măsură ce s-au îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.

Totuși, pe această pânză există un alt personaj care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și parcă îți pune o întrebare:

— Ești implicat în ceea ce se întâmplă?

Da, maestrul olandez nu a fost întotdeauna mulțumit de cadrul imaginii, a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume, iar privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a răsturnat de pe culmile gloriei în abisul secolelor de uitare.

Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmenszoon van Rijn a experimentat această primă mână în 1642. Desigur, au existat nemulțumiri înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.

Se poate vorbi la nesfârşit despre Veghea de noapte a lui Rembrandt. Această pânză este atât de mare în conținut, atât de unică în compoziția sa construită, încât istoria creării sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care ulterior a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporani.

Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați, iar mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru opera artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a eșuat cu cea mai bună lucrare. S-ar părea că acest lucru este destul, dar nu, a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere cu fiul său iubit Titus.

Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințe de modă în artă și ar putea primi din nou bani mari pentru pânzele sale. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. În portretele sale acum nu erau oameni bogați, ci cei mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.

Rembrandt nu era interesat de descrierea detaliată a tuturor articolelor de îmbrăcăminte, s-a străduit pentru mai multă abstractizare, s-a străduit să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme în față. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.

În loc de o imagine clasică, pompoasă, ieșită a patriotismului, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.

În fața noastră este o imagine a unei sărbători barbare, nepoliticos, inestetic. Această pânză a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este de mirare că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.

Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv ale lui Întoarcerea fiului risipitor, într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Am fost mereu uimit de cum a putut Rembrandt să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului ploua peste el de pretutindeni. Nu a putut continua așa mult timp, iar artistul a prevăzut-o.

Lovitura finală se aplică întotdeauna în locul cel mai dureros. Erau singurul fiu al lui Titus - un băiat foarte bolnav, asemănător cu mama lui moartă. Pe el l-a înfățișat atunci Rembrandt cel mai des: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și lectură și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... A eșuat...

După părerea mea, „Portretul lui Titus într-o sutană monahală” este unul dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. Toată dragostea tatălui ei, tot talentul de pictor s-a manifestat în ea. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta pe tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja trupul, iese în evidență un singur lucru - chipul palid al fiului artistului cu ochii în jos și plini de smerenie.

Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar un an.

Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a câștigat totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de pânzele lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, alegându-și propria cale unică în loc de faimă și bani.